O ciclo dos Choros e o ciclo das Bachianas Brasileiras são as obras mais representativas da poética composicional de Heitor Villa-Lobos. Ambos constituem ciclos de obras desiguais, tanto em dimensões como também na utilização instrumental – os Choros 1, 2, 4 e 7 são composições camerísticas; o Choros nº 5 foi escrito para piano solo; os demais são obras orquestrais e/ou corais. O Choros nº 10 tornou-se a obra vocal-sinfônica mais célebre do compositor, pois apresenta a gênese composicional de Villa-Lobos: a evocação da natureza e a transfiguração da expressão artística popular na síntese mestiça das manifestações étnicas da cultura brasileira – do índio, do negro e do branco – em uma composição matizada por processos impressionistas.
A obra é dividida em 3 partes principais: a primeira e a segunda constituem movimentos orquestrais de expressão pictórica – sons inspirados na natureza compõem um quadro tropical, desde a delicadeza de sons de pássaros e insetos à selvageria inerente ao instinto animal, numa floresta de sons de grande impulsividade. O elemento melódico mais marcante nas duas seções iniciais estará presente em toda obra: trata-se de uma canção de ninar dos índios parecis recolhida por Roquette Pinto denominada “Mokocê maká”, que é obsessivamente transfigurada, modificada e variada. A parte final constitui o “chôro” propriamente dito, quando as três etnias são representadas integradas numa composição exuberante: o ritmo marcado da percussão apresenta uma característica nitidamente afro-brasileira; o coral inicia um canto obsessivo baseado no motivo indígena “Mokocê maká”, que apesar do texto não representar nenhum conteúdo semântico, ele apresenta fonemas típicos do tupi-guarani que, cantados com essa articulação e linhas melódicas, torna-se extremamente convincente como uma transfiguração de cantos indígenas. A composição é completada com a entrada da melodia “Rasga o Coração”, uma modinha de acento luso-brasileiro que remete à influência cultural dos colonizadores brancos europeus. Trata-se do elemento mais controverso da obra, uma vez que, tendo sido composta por Anacleto de Medeiros (antigo colega de Villa-Lobos dos choros da noite carioca) e o texto escrito por Catullo da Paixão, inadvertidamente apropriou-se Villa-Lobos desta música sem informar seus verdadeiros criadores, resultando em um questionamento jurídico de direitos autorais. Em essência, Villa-Lobos foi fiel à prática dos chorões – cantar melodias ininterruptamente, improvisando e variando a piacere. O resultado da “perícia” foi que, melodicamente, não foi constituído plágio, uma vez que Villa-Lobos fez “adaptações” rítmicas e melódicas em relação à obra original. Quanto ao uso do texto de Catullo da Paixão, não houve argumentação que o sustentasse – o Choros nº 10 teve sua execução com o texto de Catullo prescrita, e a 1ª edição francesa da obra teve que ser reimpressa substituindo o texto em português por uma vocalização da letra “a”. Aqui apresentamos a obra original, sabendo que o subtítulo “Rasga o coração” é com justiça atribuído a essa obra monumental.
Um ano após participar da Semana da Arte Moderna em São Paulo em 1922, Villa-Lobos vai para Paris, onde tem contato com artistas e com a música impressionista. As marcas do impressionismo tornaram-se parte de seu pensamento musical, especialmente a utilização de paralelismos melódicos e escalas exóticas, fundindo-se com o ritmo e a vitalidade da música brasileira. Assim, são inúmeras as relações entre a música de Villa-Lobos e de Ravel. O célebre Boléro foi composto a pedido da bailarina Ida Rubinstein para uma coreografia baseada em temas folclóricos espanhóis. Estreada em Paris em 1928, a obra era considerada por Ravel um exercício de orquestração, pois sua estrutura é simples, baseada na mera alternância de duas frases musicais. Entretanto, essa aparente simplicidade revela a síntese da música impressionista, cujos contornos melódicos são “esfumaçados” pelo paralelismo das linhas instrumentais, criando espectros cromáticos diferenciados a cada repetição da melodia, inicialmente com timbres suaves e delicados, amplificando-se gradualmente até a conclusão monumental da orquestra completa tocando em fortíssimo.

Luciano Camargo